Author: PLANCHA

大注目のインディー・ポップ・デュオ、crushedがGhstly Internationalから9/26にリリースするデビュー・アルバム『no scope』から新たな先行シングル「oneshot」がミュージック・ビデオと共に公開

Photo Credit: Ben Rayner

Photo Credit: Ben Rayner

Temple Of AngelsのBre MorrellとWeekendのShaun Durkanによるインディー・ポップ・デュオ、crushedが名門Ghstly Internationalから9/26にリリースするデビュー・アルバム『no scope』から新たな先行シングル「oneshot」がミュージック・ビデオと共に公開されました。

Morrell はこの新曲について次のように語っています:

「有害な関係から抜け出せないことって、難易度の高いボス戦にずっと挑み続けてる感じに似てる。何度もやられるってわかってるのに、やめられない。苦痛の中にどこか楽しさがあるから。スナイパー・ウルフがソリッド・スネークに最後の嘆願をするみたいに、“oneshot” は死の淵に横たわって、『もう終わらせて』と願う歌です。」

しかし「oneshot」はそんな陰鬱な内容とは裏腹に、音的にはかなり美しくドリーミーなメロディが広がっています。アコースティック・ギターのストロークと、ドラムマシンによるシャッフルビートが対比されていて、魅力的な仕上がりです。

 

crushed new single “oneshot” out now

crushed – oneshot (Official Video)
YouTube: https://www.youtube.com/watch?v=mQADAzc6wco

 

crushed debut album “no scope” out on September 26


Artist: crushed
Title: no  scope
Label: PLANCHA / Ghostly International

Cat#: ARTPL-242
Format: CD
Release Date: September 26, 2025
Price(CD): 2,200yen + tax

※ボーナス・トラック6曲(『extra life』EP)
※解説・歌詞・対訳付き予定


トリップホップ〜ブリット・ポップからエレクトロニカ、USオルタナティヴのエッセンスまでを取り入れた懐かしくも新しい刺激的なドリーム・ポップ!
Ghostly Internationalがフックアップした注目のデュオ、crushedのデビュー・アルバム。
日本盤にはボーナス・トラックとしてEP『extra life』の6曲を丸ごと収録!

EP『extra life』が話題となり、Ghostly Intenationalがサインした、Temple of Angels(Run For Cover Records)のフロントマンでもあるブリ・モレル(Bre Morell)と、Slumberlandから作品をリリースしていたWeekendの元メンバーで、Topographies、Young Prisms等のプロデュースも手掛けて来たショーン・ダーカン(Shaun Durkan)によるドリーム・ポップ・デュオ、crushedの待望のファースト・フル・アルバムが完成。
テキサス出身で現在はロサンゼルスを拠点とするモレルと、オレゴン州ポートランド在住のダーカンは、特定の場所にとらわれず、別々の場所でレコーディングを行っている。彼らは、トリップホップ、ブリットポップ、エレクトロニカ、90年代のオルタナティヴ・ラジオの定番曲といった共通の嗜好、感情表現への渇望、そして正しく誠実に聴こえ、彼らにとって何か真の意味を持つ瞬間を見抜く直感に基づいて、自分たちが聴きたい曲を作り上げている。メロディアスで心温まるフックを、ブレイクビーツとサウンド・デザインの迷路を、かつてないほどの即時性と明瞭さで紡ぎ出す。

『no scope』は、二人の初のコラボレーション作品であるEP『extra life』に続く作品(日本盤にはこのEPの楽曲をボーナス・トラックとして収録)。『extra life』は元々2023年にリリースされていたが、大きな支持を集め、Pitchfork、NPRなどのメディアで早くからファンを獲得し、バンドはGhostly Internationalと契約を交わし、2024年には『extra life』にフィジカル・リリースされた。そしてcrushedは、2025年初頭にイギリスで初のライブを行い、アルバムの完成に向けて新曲やライヴ・アレンジメントを深めて行った。

ゆっくりと煮えたぎるブレイクアウトを通して書き上げられたこのアルバムには、バンドが再び焦点を定め、洗練させ、レベルアップし、『Extra Life』の約束を果たすべく突き進む姿が見受けられる。2人はリモート・ワークで曲作りを始め、その後はそれぞれの自宅と共同プロデューサー兼ミキサーのホルヘ・エルブレヒト(Japanese Breakfast、Hatchie、Weyes Blood、No Joyなどを手掛けている)の自宅で交互にセッションを行った。これは、完全セルフ・プロデュースを行って来た彼らにとって初めての試みだった。エルブレヒトは、メロディーと構成に対する卓越したセンスを持ち込み、数十曲ものデモを絞り込むのを手伝った。「ホルヘは私たちのアイデアをとても支持してくれました」とダーカンは語る。「彼がアルバムに参加してくれたことに本当に感謝しています。彼がいなかったら、これほど素晴らしいサウンドにはならなかったと思います。」

グループは、より深みのある、より忠実な、そして聴き手を惹きつけるようなサウンドを目指して一致団結した。「本当に極限まで突き詰めたかったんです」とダーカンは語る。「ポップな時はとことんポップに、ダークでヘヴィな時はよりダークでヘヴィに」。『Extra Life』がディストーションやファウンド・サウンドを用いて雰囲気を演出していたのに対し、本作ではギター、ベース、シンセのレイヤーを未使用デモからサンプリングし、コラージュのようなコンプレッションで世界観を構築。ミックスのインスピレーション源ともなったJ・ディラの『Donuts』を彷彿とさせる。もちろん、ビートはバックボーンであり、マッドチェスター・アシッド・ハウス、エイフェックス風のアンビエント・アブストラクト、ドラムンベース、そしてケミカル・ブラザーズ時代のビッグビート・エレクトロニカを行き来する、目もくらむようなサウンドを紡ぎ出している。

彼らの躍進は音響を超えて響き渡り、モレルは揺るぎない信念をもって空間を支配している。彼女の力強くダイナミックな歌声は、このバンドをドリームポップの同世代のバンドとは一線を画す存在にしている。ハリエット・ウィーラーやジェフ・バックリーの強烈なフックにも通じる、前面に出る力強い歌声で突き抜けていく。彼女の歌声はまさに理想的な相棒と言えるでしょう。ダーカンは柔らかな語り口でぼんやりとしたヴァースを複数の曲に提供し、バランスの取れた、より広い視点を与えています。二人はソングライティングを分担し、歌詞とメロディーが様々なやり取りの中で融合する、流動的な作品となっている。

アルバム全体を通してハイエナジーな弧を描くような楽曲(「meghan」「celadon」)、ミッドテンポのバラード(「heartcontainer」「licorice」「silene」)、そしてムーディーなパッセージ(様々なアウトロや「airgap」のインタールード)を巧みに織り交ぜ、自己陶酔しながら人間関係を巧みに築き上げていく過程での数々の成功と失敗を映し出す、手に汗握るテンポを生み出している。バンドが運命と人生を形作る選択に葛藤する中で、アルバム全体にほろ苦い雰囲気が漂っている。オープニング・トラック「exo」で、モレルは予感を現実に再現する。「良い終わり方じゃないような気がしてきた。それでも、どうしても諦められなかった」。シャッフルするブレイクビーツに乗せ、星が束の間一列に並ぶ空に向かって、彼女は歌う。「ただ甘くて/正気を失った/この状態が続くことを/せめて一晩だけでも」。

「Cwtch」は、ポップな華やかさと自己破壊の渦、そしてドラッギーなムードが交差する。「Starburn」は、チャグチャグと響くベースと揺らめくギターのラインで絶望の淵を描き出す。このアルバムの中心にあるのは「oneshot」。モレルはこれを「メタルギアソリッド」のボス戦で何度も敗北しながら書いた「毒のあるラブソング」と呼ぶ。 「ゆっくりと自分を殺していく誰かのために、寄り添い続けることを表現する、完璧な寓話だと思ったんです。」

デビュー作というよりは集大成と言えるこの作品は、爽快なまでに無防備で、洗練された感覚を与えてくれる。人生の十字線をリアルタイムで駆け巡る二人のアーティストによる現代作品だ。さらに日本盤にはEP『extra life』をボーナス・トラックとして追加収録した完全盤!


Track List:

01. exo
02. starburn
03. cwtch
04. heartcontainer
05. oneshot
06. airgap1
07. meghan
08. licorice
09. silene
10. weaponx
11. celadon
12. airgap2

Bonus Tracks (extra life)
13. waterlily
14. coil
15. milksugar
16. bedside
17. respawn
18. lorica

 

この投稿をInstagramで見る

 

PLANCHA (Oshi Kunii)(@plancha_92104)がシェアした投稿

crushed – starburn
https://youtu.be/o4RmyVrvYkY?feature=shared

 


現代アンビエント〜エクスペリメンタル・ミュージックのシーンの中核を担うM. Sageが9/26にRVNG Intl.からリリースするニュー・アルバム『Tender / Wading』から新たな先行シングル「Wading the Plain」が公開


アメリカのミュージシャンでありインターメディア・アーティストそして即興アンビエント・ジャズ・カルテットのFuubutsushi (風物詩)のメンバーでもあり、現代アンビエント〜エクスペリメンタル・ミュージックのシーンにおいて中核を担うMatthew Sage(M. Sage)が9/26にRVNG Intl.からリリースするニュー・アルバム『Tender / Wading』から新たな先行シングル「Wading the Plain(草原を歩く)」が公開。

アルバムでは独自のサウンドを展開しており、牧歌的なフォーク・コズミッシェ(Kosmische:クラウトロック由来の音楽スタイル)とも言えるもので、フロントレンジ(コロラドの山岳地帯)のための内省的なエレクトロ・アコースティック・バーン・ジャズ。淡い水たまりの青や、錆びたオイルドラムの赤に満ちた音世界です。このたび公開された「Wading the Plain」はアルバムのハイライトで、クラリネットとピアノの音が高い草むらを切り裂くように響きます。本人はこの曲を「ポスト・インターネット時代の住人のための、ある種の家庭的で牧歌的なアンセム」と語っています。

「Wading the Plain」には、M. Sage自身が監督したビデオも付随しています。このビデオについて彼はこう語ります。「『Wading the Plain』は、ある種の発掘作業なんです。あなたが招かれたその時点で、もうその中心にたどり着いている。スコップの代わりに使ったのは“光”でした。このビデオの中心には、オブジェクト指向存在論(object-oriented ontology)がある。物を集めて配置することで、そこに一種の“議会”のような関係性が生まれ、そのロジックは、時として人間の理解を超えたものになることもあるのです。」

 

M. Sage new single “Wading the Plain” out now

Artist: M. Sage
Title: Wading the Plain
Label: PLANCHA / RVNG Intl.

Format: Digital Single

M. Sage – Wading the Plain [Official Video] 
YouTube: https://youtu.be/ofgxZ4_fM30?feature=shared

 

M. Sage new album “Tender / Wading” out on September 26

Artist: M. Sage
Title: Tender / Wadings
Label: PLANCHA / RVNG Intl.

Cat#: ARTPL-239
Format: CD / Digital
CD Release Date: 2025.09.26
Price(CD): 2,200 yen + tax

※日本独自CD化
※ボーナス・トラック3曲収録

※解説付き予定


「僕はただ、草むしりをしながらヘッドフォンで聴きたい音楽を作っているだけなんだ」
即興アンビエント・ジャズ・カルテットのFuubutsushi (風物詩)のメンバーでもあり、現代アンビエント〜エクスペリメンタル・ミュージックのシーンにおいて中核を担うMatthew Sage(M. Sage)の2年ぶりのニュー・アルバムが完成!ピアノとクラリネットを軸に、ギター、モジュラー・シンセサイザー、パーカッション、そして自宅周辺で録音されたフィールド・レコーディングが彩りを添えるこのアルバムは、生命力、ラディカルな柔らかさ、そして故郷が変わってしまったとしても、故郷に帰ってきたような安心感を、壮大かつ静謐に描き出している。

2010年代初頭以来、SageはGeographic North、Orange Milk、Moon Glyphといったレーベルからのリリースを通して、様々なサウンドの方向性を網羅した独特な音楽カタログを構築し、そのたびに批評家からの注目を集め、熱心なリスナーを獲得してきた。2023年には、即興アンビエント・ジャズ・カルテットFuubutsushi(風物詩)での活動と時を同じくして、RVNG Intl.からのデビュー作となる『Paradise Crick』をリリースし、現在、新たなソロ活動と方向性を提示している。

『Tender / Wading』は、シカゴで約10年間過ごした後、コロラドに戻ってきたSageが、故郷から30マイル離れた場所で、彼の家族と共に数エーカーの荒れ地を耕作している姿を追った作品。前作の人工的な音世界とは対照的に、Sageは新たな成長を促し、家庭生活の構造に疑問を投げかけ、汚れと汗で曇った現在のレンズを通してかつての自分の足跡を理解するという行為から芸術を生み出している。

Sageは、自分自身の異なるヴァージョンを見る感覚を、哲学者ルートヴィヒ・ウィトゲンシュタインの有名なウサギ・アヒル理論に例える。「同じ絵ですが、あなたが誰で、どこにいて、いついるかによって、ウサギに見える人、アヒルに見える人、あるいは両方に見える人もいます」とSageは説明する。ここには、被写体であり鑑賞者でもある彼が、馴染み深い風景に戻り、パートナーであり親として、雑草を刈り取り、外来種や害虫の蔓延、固まった粘土質の土壌に打ちのめされ、その優先順位が根本から変わってしまった様子が描かれている。それでも、もう一人の自分がそこにいる。狡猾な学者で、よくミームで考え、ポケットの中のスマートフォンの誘惑を感じる。 「このアルバムは、そうした認識の変化を察知し、跳ねたり鳴いたりする余地を与えることについてです。」

Sageのスタジオでインターメディアの実践を導くのは、内なる子供心である。スタジオは、2022年の大引っ越しの後、家全体をDIYで改装した際に改造されたポールバーン。スタジオでは、詩が絵になり、裏庭の彫刻になり、さらにその先へと進み、鳥のさえずりへのおどけた冒険やクラリネット習得の挑戦を楽しむことが、真剣な音楽へとつながっていく。「私が発見したのは、これらすべてを結びつける線があるということです」と彼は言う。「そしてこのアルバムには、頑固な楽観主義と希望が溢れていますが、同時に、私たちが今いるこの最終段階の瞬間に立ち会い、そのレトリックに対処しようとしていることも含まれています。」

『Tender / Wading』で、Sageは独特のサウンドを展開している。牧歌的なフォーク・コスミッシュ、フロントレンジの瞑想的なエレクトロ・アコースティック・バーン・ジャズ、そして淡い水たまりのブルースと錆びたオイル・ドラムの赤みが溢れるサウンドだ。ほとんどの曲は、1910年にシカゴで製造された、前の所有者が残していった、ネズミが住み着いた、不思議なハミルトンのアップライトピアノから生まれた。この楽器との偶然の出会いは、ウィンディシティとのつながりだけでなく、Fuubutsushi以降、Sageの作曲手法が進化してきたことを考えると、まさに宇宙的な響を帯びていた。彼は、キーボードを弾くことに慣れ、10代の頃愛用したドラムキットに、より心地よく向き合うようになり、木管楽器の空間にふさわしく、自然と意図的なものを受け入れ、音楽に最初からより構造的な重厚さと温かさを与えている。

本作のM. Sageは、研ぎ澄まされたメロディックなフレーズとコード進行の聴力で、過去のスタジオ実験と即興演奏を融合させ、いつものように膨大なデモ音源を9曲に絞り込んだ。静電気の中を泳ぐ森のヒキガエル、ざわめく草、溝に落ちる雨、月明かりの下でワルツを踊る星座など、彼の世界観構築の特徴は健在だ。『Paradice Crick』の世界が魔法リアリズムとデジタル・ファンタジーから生まれたのに対し、『Tender / Wading』は人間の経験からより直接的に切り取られている。

彼は、この作品が高度にコンセプチュアルな作品だという見方を即座に否定する。「僕はただ、草むしりをしながらヘッドフォンで聴きたい音楽を作っているだけなんだ」。ウサギとアヒルが主張するように、それは深くパーソナルでありながら抽象的でもある。21世紀の実験アーティストによる、魅力的で自然な方向転換と言えるだろう。彼の遺産はリアルタイムで形作られ、成長し続けている。


TRACK LIST:

01. The Garden Spot
02. Witch Grass
03. Chinook
04. Wading the Plain
05. Open Space Properties
06. Telegraph Weed Waltz
07. Fracking Starlite
08. Field House Deer (Mice)
09. Tender of Land
10. Tender of Land (Patrick’s Version) (Bonus Track)
11. Watering Twig (Bonus Track)
12. Two Sleets (Bonus Track)

 

M. Sage:

Matthew Sage は、ミュージシャン、インターメディア アーティスト、レコーディング エンジニアおよびプロデューサー、出版社、教師、パートナー、および親です。 2010年代初頭から、コロラドとシカゴの間で、彼は遊び心のあるニュアンスのあるベロシティと完成主義的な感性を備えたプロジェクトをレンダリングし、多角的な実験的なスタジオ・ミュージックの特異なカタログ輩出してきた。

コロラド州で生まれ育ったSageは、ドラムやギターなど、手に入る楽器は何でも演奏して育ち、中学から高校にかけてバンドに参加した後、インターネット上のDIY音楽文化に出会った。大学在学中にテープ・レーベルPatient Soundsを設立し、100を超えるアーティストの音楽をリリースするとともに、M.Sageとして、またFree Dust, Professional Flowers、Starling Murmurations、RxRy、Wellington Downsの名義で作品をリリースしてきた。2014年、Sageはシカゴに移り、シカゴ芸術学院の大学院に進学し、ライティングとインターメディア・アートを学ぶ。自宅のスタジオでの練習から、Sageは合成の世界にのめり込み、多くの一般的な手法やスタイルに手を出し、しばしばフィールド・レコーディングやシンセサイザーやエレクトロニクスで製作したサウンド・デザイン要素を取り入れた。Patient Sounds、Geographic North、Florabelle Records、Noumenal Loom、Orange Milk、Moon Glyph、Past Inside The Presentなどの著名な実験的レーベルから、着実に自信のプロジェクトを発表し、The WireやNPRなどのでも注目されるようになる。

2019年のレーベル10周年にPatient Soundsを閉じ、その1年後に共同音楽プロジェクト、印刷物、その他の放送・出版実験のためのインプリント、cached.mediaを立ち上げた。パフォーマーとしてのSageは、図書館や美術館、その他の型破りな空間を好み、カリフォルニア州パサディナの日本茶庭園で畠山地平のためにオープニングを行ったのは最近のハイライトである。また、The MoMa、The Whitney、シカゴ美術館などメジャーなアート施設のためにサウンドデザイン、インスタレーション、オリジナル楽曲を制作している。
Sageと彼の家族は現在、コロラド州の田舎に住んでいる。そこから、5年前に最初に想像されたデジタル森林風景の目的地であるであり、彼の世界を構築するエレクトロ・アコースティック・クラフトの集大成の『Paradise Crick』が2023年に名門RVNG Intl.よりリリース。そしてこのたびRVNG Intl.から2作目となるアルバム『Tender / Wadings』が完成した。

また、2020年には遠方の友人達と即興アンビエント・ジャズ・カルテットのFuubutsushi (風物詩)を結成し、そのメンバーとしても活動し、コンスタントに作品を発表している。


TOPS “Bury the Key” [ARTPL-240]


Artist: Tops
Title: Bury the Key

Cat#: ARTPL-240
Format: CD

※正方形紙ジャケット仕様
※解説・歌詞対訳:清水祐也 (Monchicon!)

Release Date: 2025.08.22
Price(CD): 2,200yen + tax


今年のコーチェラでのパフォーマンスも話題となった、モントリオールのDIYシーンから現れ、現代にも影響を与え続けるインディー・ポップ・サウンドの先駆者として活躍したTOPSがなんとGhostly Intenrnationalと契約してニュー・アルバムを完成!邪悪なディスコの領域へと足を踏み入れ、彼らのソフト・フォーカスなソフィスティ・ポップに鋭いエッジを与えた傑作!

現在はDavid Carriere、Jane Penny、Marta Cikojevic、Riley Fleckによる4人編成で活動しているモントリオール出身のソフト・ポップ/ロック・バンド、TOPS。時代を超越した音楽を生み出し、即時性と深みを巧みに融合させるスタイルをみせている彼らがGhostly Internationalと契約しリリースされるニュー・フル・アルバムにして通算5作目『Bury the Key』。常に洗練され、紛れもなくメロディック・クラフトの達人でありながら、進化を恐れず、時にはよりダークなトーンに挑戦し続ける彼らのこのアルバムは、かつて封印した感情と向き合い、幸福、快楽主義、そして自己破壊の間で揺れ動く様を描いていまる。架空の人物が登場することが多い一方で、輝きとグルーヴ感に溢れたセルフ・プロデュースによる楽曲は、親密さ(バンド内外)、有害な行動、薬物使用、そして終末的な恐怖といった個人的な観察から生まれています。レコーディングが始まると、彼らは変化に気づき、より積極的になり、冗談めかして「邪悪なTOPS」と名付けたとJaneは言う。「私たちはいつも、カナダ風に言えば、甘ったるいとか、ナイーヴとか、フレンドリーとか思われているけど、今回は周りの世界を真に表現するという挑戦をしたんだ」。迫り来る時代と、歳月を経て得た明晰さというレンズを通して、TOPSは『Bury the Key』でより邪悪なディスコの領域へと足を踏み入れ、彼らのソフト・フォーカスなソフィスティ・ポップに鋭いエッジを与えている。

2010年代初頭、モントリオールのDIYシーンから現れ、現代にも影響を与え続けるインディー・ポップ・サウンドの先駆者として活躍したTOPS。長いキャリアを維持している秘訣はシンプル。誠実でオープンなソングライティングと、自然体でありながらもピュアなレコーディング。そうすることで、バンドのあらゆるレベルで深く調和したダイナミクスが生まれる。彼らの楽曲は人生の輪郭を描き出し、時が経つにつれ――5枚のアルバム、数え切れないほどのツアー、そして様々なサイドプロジェクトを経て――TOPSはますますその才能を開花させている。

TOPSのヴォーカルは、ソングライター、プロデューサー、フルート奏者、そしてシンガーとして活躍するJane Penny。静かな歌声は、驚くほど幅広い表現力を秘めており、Men I TrustからClairoまで、現代の偉大なアーティストたちの多くに影響を与えてきたことは間違いない。彼女の歌詞のテーマは、権力のダイナミクス、欲望、注目されることへの葛藤、報われる愛など、時代を超えて色褪せることがない。2024年に初のソロ・リリースを控えていた彼女は、以前住んでいたモントリオールの地域に一歩賢くなって戻ってくる。盟友David Carriereと共作した彼女のソロ楽曲に登場する、洗練された車やどこまでも続くハイウェイは、TOPS名義での新作である本作に確かな深みを増して反映。作詞家、プロデューサー、そしてギタリストとして、鮮烈なフックとそれに見合う飽くなき推進力を持つ(彼の別のプロジェクトはDVC RefreshmentsやBorn At Midniteなどがある)Davidは、音色とテクスチャーの技巧に新たな息吹を吹き込んでいる。バンド結成当初からドラマーを務め、他者のプロジェクト(最近ではジェシカ・プラットのライヴ・バンド)でも活躍する彼は、より高いテンポとハードなリズムに挑戦し、その活躍の幅を広げている。 2017年、金字塔的アルバム『I Feel Alive』の前にTOPSに加入し、2022年にはDavidのプロデュースによるMarci名義でのデビュー作をリリースしたキーボード奏者のMarta Cikojevicは、本作でその役割をさらに拡大。作曲プロセスに参加し、Janeのヴォーカル・ラインの一部をバックアップし、アルバムで最も豊かで満足感のあるパートを演出している。

2023年の冬に曲作りが始まり、JaneとDavidはデモに取り組み、その夏にはバンドのスタジオで、ゆるやかな共同セッションを重ねていき、発展させていくことになった。スタジオの雰囲気は、1970年代の税務署を彷彿とさせるようなものだったようで、様々なペルソナやキャラクターが形作られていった。シンセサイザーを主体とした「Wheels At Night」では、Janeは当初、未亡人(「ここには私の服の隣にあなたの服以外何も残っていない」)をイメージしていたが、その後、より普遍的な喪失感へと展開させ、最終的には自分自身と向き合い、孤独の苦しみを歌った別れの曲へと昇華させた。Davidのギター・ラインがブリッジを彩り、語り手が私たちを孤独な道へと連れ出す。「ICU2」はピュアないちゃつきを湛えた曲で、JaneとMartaの遊び心のあるやり取りから生まれた、TOPSの定番アップテンポ・ナンバーだ。しかし、グルーヴの奥底には、クラブ・シーンが隠れており鏡の迷宮を暗示している。「まるで悪ふざけのようで、幻想的で、暗闇の中で何かを探しているところを捕まえられたような」とJaneは言い、1969年の『真夜中のカーボーイ』(Midnight Cowboy)のパーティー・シーンに見られるアート・ハウス風サイケデリックを想起させる。

アルバムが進むにつれて、邪悪な『Bury the Key』の影はより鮮明になる。中盤の「Annihilation」がまさにヒール・ターンと言えるだろう。この曲は非伝統的な試みから生まれた。Rileyはドラムから曲を組み立てるという課題に挑み、その結果、バンドは高速ハイハット、フィルイン、そして四つ打ちのビートのフィールドを築き上げた。坂本龍一とシネイド・オコナーの死後まもなく書かれたこの曲は、徐々に消え去りつつある文化的神話(「偉大な男も女も皆死ぬ、友よ」)へのオマージュであり、洗練された未来的なコーラスはYMOを彷彿とさせる。超絶技巧を凝らした「Falling On My Sword」は、アレンジの視点からDavidのハードコア音楽への関心を表現しているが、「最終的には自分たちのスタイルで演奏した」と彼は語る。「私たちは常に変化や再発明という考えに抵抗してきた」とJaneは語る。「でも、自分たちのサウンドの限界を押し広げ、これまでに作ったことのない何かに挑戦したかった。もっとハードにやりたかったんだ」。歌詞は、私たちをしばしば満たされないままにしてしまう社会規範や大人の制度の追求に疑問を投げかけている。

アルバムの中心となるのは「Chlorine」という「空虚な愛」のバラードで、毒素、化学物質に満ちたウォーター・パークの懐かしさ、不健康なバーの夜の安らぎを交錯させる。「成長過程での感情の幅、私たちが経験する事柄、自分を満たす方法が、同時に私たちを破壊する要因にもなるかもしれない」とJaneは説明する。この考えの重みは、『Bury the Key』全体に感じられる。このアルバムは、荒削りから磨き上げられた多面的なアルバムだ。痛みと喜び、そして生きていること、そして現代を代表するバンドの一つであることの複雑な喜びに根ざしている。


TRACK LIST:

01. Stars Come After You
02. Wheels at Night
03. ICU2
04. Outstanding in the Rain
05. Annihilation
06. Falling on my Sword
07. Call You Back
08. Chlorine
09. Mean Streak
10. Your Ride
11. Standing at the Edge of Fire
12. Paper House

TOPS『Bury the Key』お詫びと帯・解説書交換のお知らせ

 


dip in the poolが バンド編成で日本〜中国を巡るツアー「Calling」が開幕


80年代から唯一無二の世界観で活動を続け、近年では海外での再評価も高まるdip in the pool。
バンド編成で日本〜中国を巡るツアー「Calling」がいよいよ開幕です。

Calling tour band member:
甲田益也子(ボーカル)
木村達司(キーボード)
橋本一子(ピアノ)*support member
窪田晴男(ギター)*support member
ダニエル・バエデール(ドラムス)*support member

 

遠軽公演

遠軽町合併20周年記念事業

Miyako Koda presents
dip in the pool + Vela live in ENGARU

日程:2025.08.22 FRI.

時間:開場 18:30 / 開演 19:00
会場:遠軽町芸術文化交流プラザ 大ホール
料金:前売券 2,500円 / 当日券 3,000円(全席自由)
詳細:https://engaru-metroplaza.jp/?p=4233

 


上海公演

Antigen Special Pres:dip in the pool + vela

日程:2025.09.13 SAT.
時間:19:00 開演 / 20:00
会場:BANDAI NAMCO Shanghai base Dream Hall
詳細:https://wap.showstart.com/pages/activity/detail/detail?ssfrom=user-99761&activityId=270369

 


東京公演

dip in the pool 2025 tour Calling in Tokyo

日程:2025.11.14 FRI.

時間:[1st] OPEN 17:00 / START 18:00 | [2nd] OPEN 19:45 / START:20:45
会場:BLUE NOTE PLACE
料金:¥6,000(税込)
詳細:https://www.bluenoteplace.jp/live/dip-in-the-pool-251114/

 

dip in the pool
1983年に作/編曲を担当する木村達司(track)と、作詞担当の甲田益也子(vo)が結成したエレクトリック・デュオ。
86年にイギリスはROUGH TRADEよりデビュー。その後国内外で10枚のアルバムと複数のシングルをリリース。
2016年にアムステルダムの復刻レコード専門レーベルMusic From Memoryから89年に発表した「On Retinae」が12 inch・シングルとしてリイシューされ世界的に再評価され、以後海外のフェス出演やアーティストとの共作リリースが続いている。
現在もロンドン在住の新鋭電子音楽家とのコラボレーションが進行中。


Emily A. Spragueが2024年の初来日ツアーで録音した音源『Cloud Time』がRVNG Intl.から10月10日にリリース決定 | 先行ファースト・シングルとして「Tokyo 1」がヴィジュアライザーと共に公開

Photo Credit: V Haddad

Photo Credit: V Haddad

Emily A. Spragueがコロナ・パンデミックによる2度のキャンセルという不運を乗り越え遂に行った2024年の初の日本ツアーで録音された、時空を巡る音とスピリチュアルの旅を辿る作品『Cloud Time』がRVNG Intl.から10月10日にリリースが決定。先行ファースト・シングル「Tokyo 1」がエミリーの長年のコラボレーターでもあるV Haddadが手がけたヴィジュアライザーと共に公開されました。

『Cloud Time』はその瞬間を捉えた環境的な即興演奏から構成され、温かく、反応が良く、そして比類のない素材が織りなしており、サイキックな旅、自由な存在感、空間、リスナー、そして没入した瞬間それぞれとの相互作業を促すパフォーマンスに導かれた旅を凝縮しています。
ファーストシングル「Tokyo 1」は、ツアー初開催地のスピリットを表現し、山あり谷あり、循環と漂流の中で、スプレイグが「深く癒しと影響力のある旅」と表現する夜の感情の弧を描いています。

 

 

Emily A. Sprague New Single “Tokyo 1” out now


Artist: Emily A. Sprague
Title: Tokyo 1
Label: PLANCHA / RVNG Intl.
Format: Digital Single
Listen / Buy: https://orcd.co/yne2maj

Emily A. Sprague – Tokyo 1 [Official Visual]  

YouTube: https://www.youtube.com/watch?v=FjCpN6ffJMk

Created by V Haddad

 

 

Emily A. Sprague “Cloud Timeout on October 10, 2025


Artist: Emily A. Sprague
Title: Cloud Time
Label: PLANCHA / RVNG Intl.
Cat#: ARTPL-244

Format: CD / Digital

※日本盤独自CD化
※解説付き予定

Release Date: 2025.10.10
Price(CD): 2,200 yen + tax


環境と本能のコラボレーション
Floristのフロントマンとしても知られるアンビエント・アーティスト、Emily A. Spragueが昨年行った初の日本ツアーのステージ・レコーダーにアーカイヴされた8時間以上の録音から抜粋し、追加ミックスや最小限の編集のみで惜しみなく収録された7つの長編楽曲。

パンデミックの影響により2度に渡るキャンセルを経て2024年に遂に実現したEmily A. Spragueの初の日本ツアーでの演奏を収録したのが本作『Cloud Time』である。この音源はスプレイグにとって神話的な意味合いを帯び、彼女自身の音の白鯨のような性質を帯びていた。
「キャンセルされた旅と忘れ去られた音楽の空虚な空間は、奇妙な小さな霧のような霊魂へと変わり、私に付きまとうように感じられた」「ツアーの準備を始めた時、日本への招待は、何かを自分のコントロール下に置き、そこに持ち込むというよりも、むしろこの新しい場所に自分自身を開くことなのだという感覚を拭い去ることができませんでした。即興は常に私の音楽活動の大きな柱であり、その過程を通して、この国、空間、そして人々と出会いたいと強く願っていました。」と彼女は語る。

ステージ上でのこうした直感的なささやきを増幅させるため、スプレイグは、可能な限りエラーのない設計で長年使い続けてきたライヴ機材を、より自由で柔軟なセットアップへと再構築した。それは、毎晩、実質的に白紙の音のキャンバスと触れ合うことを可能にしたのだ。それぞれのパフォーマンスは、環境と本能のコラボレーションとなり、スプレイグはその夜を形作る出来事、エネルギー、そして感情を、新たなサウンド・エコシステムを通して処理し、耳を開き、心を開いてくれる観客一人ひとりに、完全に今ここにいる、唯一無二の自分を投影した。「私にとって、それは単なる演奏行為以上のものでした。時間と場所を体感する体験だったのです」

『Cloud Time』の流れを描く7つの長編楽曲は、アーティストのステージ・レコーダーにアーカイヴされた8時間以上の録音から抜粋され、追加ミックスや最小限の編集のみで惜しみなくアルバムに収録されている。アルバムが都市から都市へ、会場から会場へと移動する中で、リスナーは深く根付いた存在の瞬間に静まり返る。そして本作は各開催地で録音された素材の年代記であり、スプレイグは直線的な時系列ではなく、ムードに基づいたストーリーテリングに基づいてアルバムを選び、構成している。 「アルバム全体が、これまでのライヴ・パフォーマンスの一つ一つと同じように流れるようにしたかったんです」と彼女は説明する。「同時に、全体を旅として捉える精神も保つようにしました」。その結果生まれたのは、今や記憶という輝く琥珀色に閉じ込められた、力強い発酵から生まれた、旅行記、ラブレター、そして印象派的なコラージュが等しく融合した作品だ。

環境音楽という、国内外で広く知られる環境音楽哲学に深くインスパイアされた『Cloud Time』は、ポーリン・オリヴェロスのディープ・リスニングの実践と同様に広大な精神に共鳴し、リスナーを作曲家と位置づける。心のこもったシンセサイザーの周波数に根ざし、豊かに包み込み、癒やしを与えるアンビエント・ミュージックは、まるで聴き返しているかのような音楽だ。「Nagoya」「Tokyo 1」、そして10分間の「Matsumoto」といった曲は、優しく手入れされた風景の原子的な共鳴を響かせ、息苦しく束縛するような視点に深く入り込み、そこから遠く離れてゆくための空間を提供している。 『Cloud Time』は、つかむものは何もなく、ただ流れていくだけ、そして得るものだけがある、一瞬一瞬を儚くも永遠なものと受け入れる、そんな招待状だ。

ツアーを通してスプレイグが実践した、受容と手放しの実践は、彼女が自分自身を「ゲスト」としてだけでなく「尊敬されるパフォーマー」として理解する上で、深い影響を与えた。「自分がどこにいても愛し、今この瞬間に存在し、心と感情の明確なコミュニケーションのチャンネルに集中するというプロセスは、空間、そこにいる人々、そして自分自身への深い敬意に根ざしており、結果として深い癒しをもたらしました」と彼女は語る。「私のヴィジョンと希望は、このアルバムが、そこにいた人にも、そうでなかった人にも、贈り物として届けられることです。過ぎ去っていく人生のクラウド・タイムを。」


TRACK LIST:

01. Tokyo 1
02. Osaka
03. Nagoya
04. Matsumoto
05. Hokkaido
06. Tokyo 2
07. Each Story

 

 

 


Top